Wenn wir uns die Art der modernen Kunst vorstellen, kommen den meisten von uns als erstes Meister wie Pablo Picasso und Henri Matisse in den Sinn. Mit ihrer kühnen Verwendung von Farbe und geometrischen Formen schufen diese Künstler Werke, die herkömmliche Vorstellungen von Kunst in Frage stellten und andere Künstler dazu inspirierten, neue Darstellungsweisen zu erforschen.
Moderne Kunst ist ein weit gefasster Begriff, der die breite Palette der Kunst beschreibt, die in der Zeit entstanden ist, die sich ungefähr von den 1860er bis in die 1960er Jahre erstreckt. Der Fokus der modernen Kunst lag auf Ausdruck, persönlichem Stil und neuen Ideen in der Kunst, was zu innovativen und manchmal völlig abstrakten Formen führte.
Moderne Kunst soll Informationen künstlerisch vermitteln. Es kann auch verwendet werden, um eine bestimmte emotionale Reaktion hervorzurufen. Eine Art von Kunst oder Präsentationsmodus für bildende Kunst kann eine Form, ein Modell, eine Methode und eine Technik der Produktion, des Ausdrucks und der Herstellung umfassen. Im folgenden Artikel werden wir die verschiedenen Arten der modernen Kunst im Detail besprechen. Lassen Sie uns in den folgenden Abschnitten mehr über die Art der modernen Kunst erfahren.
Arten Moderner Kunst: Moderne Kunstbewegungen
Moderne Kunst ist ein weit gefasster Begriff, der verwendet wird, um die bildende Kunst zu beschreiben, die ungefähr zwischen den 1860er und 1960er Jahren geschaffen wurde, und bezeichnet Bewegungen in Philosophie, Kunst, Architektur und Kultur.
Impressionismus
Der Impressionismus versuchte, die momentane Schönheit von Licht und Farbe einzufangen, wie die Landschaftsmalerei von Claude Monet (1840-1926) veranschaulicht. Farbschemata führten nicht-naturalistische und lockere Pinselstriche ein, die oft stark strukturiert waren. Es war schwierig, die impressionistischen Gemälde aus nächster Nähe zu identifizieren. Obwohl die impressionistische Bewegung bei Sammlern, Händlern und modernen Künstlern hoch angesehen ist, ist sie weder der breiten Öffentlichkeit noch den Kunstbehörden bekannt. Die Bewegung wurde schließlich zur berühmtesten der Welt. Der Impressionismus ist für die Geburt der modernen Kunst verantwortlich. Es legitimierte die Verwendung nicht-naturalistischer Farben und öffnete die Tür zur abstrakten Kunst.
Fauvismus
Die berühmte Avantgarde-Bewegung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts aufblühte, gilt als eine ihrer wegweisenden Manifestationen. Henri Matisse begründete den Fauvismus. Er verwendete lebhafte Farben in Landschaften und Stillleben, um den Geist des Impressionismus einzufangen. Matisse war einer der ersten Fauvisten, der harte Pinselstriche und leuchtende Farben direkt aus der Tube verwendete. Dies trug dazu bei, eine Gefühlsemotionalität in ihrer Arbeit zu erzeugen, die dazu führte, dass das Publikum eine gute Zeit hatte. Sie wurden zu einem beliebten Phänomen. Louis Vauxcelles taufte solche Maler wegen der übermäßig expressiven Natur ihrer Techniken Fauves (wilde Tiere). Georges Braque gilt als direkter Nachkomme des Fauvismus. Maurice de Vlaminck und Georges Derain sind weitere bemerkenswerte Fauvisten.
Kubismus
Der Kubismus ist die bekannteste Kunstrichtung der Moderne. Picasso wird besonders damit in Verbindung gebracht. Auf dem Höhepunkt der Herrschaft des Kubismus war Georges Braque jedoch auch ein Anführer dieser Bewegung und seine Gemälde waren praktisch identisch mit Picassos, was beweist, dass diese beiden Künstler so gut zusammengearbeitet haben. Es wird oft darauf hingewiesen, dass Picassos Les Demoiselles dAvignon ein entscheidendes Werk für die Entwicklung des Kubismus war. Es zeigt nackte Frauen aus einer gebrochenen Perspektive und zeigt starke afrikanische Einflüsse.
Louis Vauxcelles, ein Kunstkritiker, schlug den Namen der Bewegung vor, als er 1908 das Braques House in LEstaque in Form von Ziegeln (wieder!) darstellte. Die kubistische Kunst wollte sich von der Nachahmung der Natur unterscheiden und neue Arbeiten schaffen, indem sie Flachheit und Zweidimensionalität auf der Leinwand betonte. Um diesen Effekt zu erzielen, wurden verschiedene Blickwinkel verwendet, um Bilder von gewöhnlichen Objekten wie Krügen, Flaschen und Musikinstrumenten zu malen. Im Laufe ihrer Arbeit verwendeten Braque und Picasso monochrome Skalen, um zu betonen, wie sie sich auf die Struktur ihrer Gemälde konzentrierten. Der Kubismus ist ein Stil, der viele Bildhauer und Architekten beeinflusst hat.
Futurismus
Der Futurismus, ein Teil der Moderne, war eine der umstrittensten Bewegungen. Es setzte Menschen mit Maschinen und umgekehrt gleich, um Wandel, Geschwindigkeit und Innovation in der Gesellschaft anzunehmen, während künstlerische und kulturelle Ausdrucksformen aus der Vergangenheit entfernt wurden. Futuristische Plattformen waren jedoch kriegsfreundlich und profeministisch.
Filippo Marinetti war derjenige, der den Futurismus inspirierte. Das Manifest von 1909 von Filippo Marinetti enthält die Inspiration. Die am häufigsten in Gemälden dargestellten Motive waren in dieser Zeit Autos, Züge, Tiere, Tänzer und Menschenmengen. Maler haben die fragmentierten und sich überschneidenden Ebenen des Kubismus in ihre Werke übernommen, um die Schönheit von Bewegung und Geschwindigkeit zu betonen.
Die Poesie dieser Zeit betonte die Notwendigkeit, unnötige Adjektive und Adjektive zu eliminieren, um sich auf Infinitivverben zu konzentrieren.
Expressionismus
Die expressionistische Kunst konzentriert sich auf Objekte und Ereignisse, die bei Menschen Emotionen und Reaktionen hervorrufen. Mit formalen Elementen lassen sich auffällige, schrille und heftige Effekte erzielen. Sie können auch verwendet werden, um zu übertreiben, primitiv, fantasievoll und verzerrt zu sein. Eine Vielzahl moderner Künstler und Kunstbewegungen nutzt expressionistische Prinzipien, um sich in ihrer Arbeit auszudrücken.
Als Oberbegriff ist der Expressionismus eine der wichtigsten Kunstströmungen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Der germanische und nordische Kunstexpressionismus steht im Gegensatz zu den zumindest im europäischen Mittelalter einsetzenden klassizistischen und rationalistischen Tendenzen Frankreichs und Italiens.
Der deutsche Expressionismus ist ein eigenständiger Stil oder eine Bewegung, die eng mit vielen österreichischen, französischen und russischen Künstlern verbunden ist, die vor dem Ersten Weltkrieg entstanden und während der Zwischenkriegszeit aktiv blieben.
Dada
Hugo Ball bringt es gut auf den Punkt, wenn er das dadaistische Ziel der Kunst erwähnt, wenn er schreibt, dass sie kein Mittel zum Selbstzweck sein sollte, sondern ein Mittel zur Reflexion und Kritik der Zeit, in der wir leben. Die dadaistische Ära sah die Nachwirkungen des Ersten Weltkriegs in Trauer, Zerstörung und Chaos. Mehrere große Städte in ganz Europa waren in der Bewegung vertreten, darunter Zürich, Schweiz; New York City; Berlin, Köln, Hannover, Deutschland; und Paris. Es gab keine Verbindung zwischen dadaistischen Stilen oder Medien. Ihre gemeinsamen Überzeugungen und Praktiken verbanden sie stattdessen.
Abstrakter Expressionismus
Die New York School bezieht sich auf einen allgemeinen Stil der abstrakten Malerei, der kurz nach dem Zweiten Weltkrieg in New York City auftauchte. Diese Bewegung wurde von Künstlern aus den Vereinigten Staaten angeführt, die stark von europäischen Auswanderern beeinflusst wurden. Es gab zwei Hauptstile zur Auswahl: Gestische Malerei (die animiert war) und Farbfeldmalerei (die eher passiv und stimmungsorientiert war).
Der abstrakte Expressionismus, der die Abstraktion förderte, ist der Grund, warum moderne Kunst so populär geworden ist. Rothkos Ziel war es, dass Farbe beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervorruft. Pollocks Methode bestand darin, das zu schaffen, was als Action Painting bekannt wurde, siehe Fotos nach Text.
Pop-Art
In den 1960er Jahren beeinflussten Massenkonsum und Populärkultur die Kunst der 1960er Jahre. Dieser avantgardistische Stil entstand Ende der 1950er Jahre in New York und London und dominierte die Kunstwelt bis Ende der 1960er Jahre. Popkünstler der 1920er und 1930er Jahre wie Andy Warhol (1928-1987) verwendeten lebhafte Blockfarben und kühne Bilder, um eine Ikonographie zu schaffen, die die Grenze zwischen kommerzieller und bildender Kunst verwischte. Moderne Kunst ist am besten dafür bekannt zu zeigen, dass Kunst unauffällig sein und aus allem bestehen kann. Möglich wurde dies durch den abstrakten Expressionismus.
Suprematismus
Auch der Konstruktivismus und die supremacistischen Bewegungen kamen aus Russland. Sie konzentrierten sich jedoch mehr auf Abstraktion und ihre Umarmung. Es gilt als die erste Malereibewegung, die rein geometrische Abstraktionen einbezieht. Kasimir Malewitsch gilt als sein Schöpfer, da er das Manifest der Suprematisten mit Hilfe einiger seiner Zeitgenossen verfasste.
Malewitschs Zitat ist die Inspiration für den Namen der Bewegung. Malewitsch erklärt in diesem Zitat die Überlegenheit oder reine Wahrnehmung der bildenden Kunst. Er versuchte, die Kunst in seiner Kunst auf ihre grundlegendsten Merkmale zu reduzieren, wobei er häufig Grundformen wie Quadrate, Dreiecke, Kreise sowie Primär- und Neutralfarben verwendete. Malewitschs Arbeit verbesserte sich, als er seiner Kunst mehr Formen und Farben hinzufügte, aber seine Weiß-auf-Weiß-Gemälde sind ein perfektes Beispiel für diese Bewegung. Auf dem Gemälde war nur ein kaum erkennbares Quadrat zu sehen.
De Stijl
Der Name De Stijl drückt nicht nur aus, worum es bei dieser Bewegung geht, sondern fasst auch zusammen, wie sie ihr Ziel erreichen wollen: mit einem einfachen, direkten Ansatz. Die Gruppe bestand aus Piet Mondrian und Theo van Doesburg sowie Jacobus Johannes Pieter Oud. Ihre Hingabe an die Theosophie war der Hauptbestandteil von De Stijls Mystik. De Stijl-Mitglieder sahen den Pariser Kubismus auch als Mangel an reiner Abstraktion an. Picasso und Braque waren jedoch ein bedeutender Einfluss auf die Bewegung. Zur Veranschaulichung ihrer abstrakten Kompositionen verwendeten die Suprematisten viele schmucklose Formen, Primärfarben und neutrale Töne. Diese Techniken wurden verwendet, um Gesetze des Gleichgewichts sowohl in der Kunst als auch im Leben zu studieren. Obwohl die Bewegung von Architekten angeführt wurde, umfasste sie auch Dichter und Dekorateure, Maler, Bildhauer sowie Schreibmaschinen, Dichter, Setzer und Dichter.
Konstruktivismus
Der Konstruktivismus entstand in den späten 1910er Jahren, nachdem sich Futurismus und Kubismus nach der Oktoberrevolution nach Westen nach Russland ausbreiteten. Der Konstruktivismus ist der Glaube, dass Kunst aus modernen Materialien wie Kunststoff, Stahl oder Glas hergestellt werden sollte. Dadurch kann Kunst einem sozialen Zweck dienen und nicht nur abstrakte Kunst schaffen. Die Bewegung wurde oft von Tatlin ins Leben gerufen, der 1913 in Paris stark von Picassos geometrischen Strukturen beeinflusst wurde. Pevsner und Gabo veröffentlichten 1920 das Realistische Manifest.
Sie bewunderten Technologie und Funktionalismus, ähnlich wie die Futuristen oder Vorticisten. Viele bemerkenswerte Kunstwerke stammen aus dieser Zeit, aber Tatlins Monument to the Third International (1919-20) ist das bekannteste. Diese Struktur verwandelt sich beim Aufprall in eine Spirale, die deutlich einem Ei ähnelt. Tatlin war einer der Konstruktivisten, die glaubten, dass Gemälde nichts anderes als tote Kunstformen seien, es sei denn, sie würden als Blaupausen für etwas anderes verwendet. Sie beschäftigten sich hauptsächlich mit Keramik, Modedesign, Grafikdesign und Architektur. Als der sowjetische Widerstand gegen ihre Bewegungen zunahm, gewann die Bewegung in den westlichen Ländern große Popularität.
Letzte Worte
Bei manchen Werken ist es schwierig, die Arbeit des Autors einzuordnen und einer bestimmten Gattung moderner Kunst zuzuordnen. Trotzdem erlauben uns einige Verallgemeinerungen, die Absicht und Stimmung des Künstlers zu verstehen, indem wir seine Arbeit aus der Sicht der Genres der modernen Kunst beschreiben. Sie sind kultureller Kontext und historischer Hintergrund, die Genealogie künstlerischer Traditionen und Meisterwerke.
Kunst ist individuell und für jeden Menschen einzigartig. Moderne Kunst kann Ihr Leben verändern. Das ist die Schönheit der modernen Kunst. Es ist leicht, oberflächlich über die Welt nachzudenken. Aber Kunst erlaubt dir, frei zu sein und zu fühlen, was du willst. Da es keinen richtigen oder falschen Weg gibt, auf Kunst zu reagieren, lassen Sie sich von Ihrem Herzen leiten und lernen Sie dabei hoffentlich etwas.
Tom ist Blogger, Künstler und Technologieliebhaber. Er bloggt über die neuesten Entwicklungen in der Kunst und teilt seine Gedanken mit seinen Lesern darüber, wie es ist, heute Künstler zu sein. Tom ist seit seiner Kindheit von Technik fasziniert. Doch erst mit 13 Jahren wurde ihm klar, wie viel Spaß das Erstellen von Websites machen kann. Tom ist ein abenteuerlustiger, lebenslustiger Kreativer. In seinem Blog rezensiert er Kunstprodukte und Technologie-Gadgets. Das tut er seit mehr als 5 Jahren. Er verbringt die meiste Zeit im Studio, am Strand oder beim Erkunden neuer Orte.
…
